Estela funeraria de Fabia y su marido (MBAL) / Funerary stele of Fabia and her husband (MBAL)

Estela funeraria de Fabia y su marido. Museo de Bellas Artes de Lyon. Francia

La estela funeraria de Fabia y su marido está realizada en piedra calcárea, exhibiéndose a día de hoy en el departamento de Antigüedades del Museo de Bellas Artes de Lyon. Realizada en el siglo II después de Cristo, representa a Fabia, cuyo nombre aún puede leerse en el lado izquierdo. Parece ser que su origen está en Hierápolis, situada en el Medio Eúfrates, por lo que también se le denomina como “Estela funeraria del Medio Eúfrates“.

Fue adquirida por el museo en 2001 en una venta administrativa, tal y como se especifica en la propia web del Museo.

(ENG)

The funerary stele of Fabia and her husband is made of limestone and is now on display in the Antiquities Department of the Musée des Beaux-Arts in Lyon. Made in the 2nd century AD, it depicts Fabia, whose name can still be read on the left side. It seems to have originated in Hierapolis, located on the Middle Euphrates, and is therefore also known as the ‘Funerary Stele of the Middle Euphrates‘.

It was acquired by the Museum in 2001 in an administrative sale, as specified on the Museum’s own website.

Cómoda con diseño chino / Commode in chinoiserie style (MBA Lyon)

Cómoda del siglo XVIII con decoración china. Museo de Bellas Artes de Lyon.

Realizada entre 1735 y 1745 por Bernard II Van Risen Burgh, está realizada en roble, en color negro y oro sobre lacado en rojo, con bronce dorado y mármol.

Yo la vi en 2019 en el Museo de Bellas Artes de Lyon, en donde estaba en depósito del Museo de Bellas Artes de Dijon.

(ENG)

This commode in chinoiserie style was made between 1732 and 1745 by Bernard II Van Risen Burgh, in oak wood, black and gold coloured over red coating, with golden bronze and marble.

I saw it in 2019 in the Musée des Beaux Arts of Lyon, where it was shown after being lent by the Musée des Beaux Arts of Dijon.

(Explicación del propio Museo en el cartel de la exposición).

Puertas del templo de Montu (II) / Doors from Montu’s temple (II)

La entrada del templo de Medamud. Museo de Bellas Artes de Lyon, Francia.
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Tres profetas / Three Prophets

Se trata de un bajorelieve procedente de la antigua Catedral de Vic que fue comprado por el Museo de Bellas Artes de Lyon en 1934. Se trata de un relieve románico del siglo XII en el que se encuentran representados tres profetas del Antiguo Testamento.

(La escultura románica encuentra su máximo desarrollo) los siglos XI y XII (con sus antecedentes carolingios del siglo IX) introduciéndose en buena parte del XIII y paulatinamente da lugar a la gótica, sin que la separe de ésta una línea perfectamente divisoria. El carácter general de la escultura románica consiste en la imitación de modelos artificiales y de aquí su amaneramiento o rutina. A diferencia de la escultura gótica, en la cual se revela un positivo estudio e imitación de la Naturaleza aunque sin la desenvoltura de los artistas modernos. Como puente de unión entre una y otra se halla en los últimos años del siglo XII y primera mitad del XIII el estilo que puede llamarse de transición que trata de imitar algo la realidad de la Naturaleza y da a sus obras mayor vida y movimiento sin desprenderse completamente el artista de los convencionalismos y amaneramientos precedentes. Y tal es la variedad resultante de dicha transición aumentada por la destreza o impericia de los escultores por las influencias de escuelas distintas que no es raro juntarse en una misma localidad y de una misma fecha relieves o estatuas muy dignas de aprecio y alabanza con otras de reprobable gusto y sin ningún valor artístico.

ENG

The three Prophets depicted were actually made for the Ancient Cathedral of Vic (Spain) in the XIIth century and were bought by the Museum of Fine Arts of Lyon (France) in 1934. As any other Romanesque sculpture, its characteristics can be easily recognizable, specially being made approx. 1170-1180: the XIIth century is a transition time in which figures are depicted much more lively and with more movement than before, as it can be seen in the clothes they are wearing.

Puertas del templo de Montou (MBAL): Puerta de Tolomeo IV Filópator

Los motivos se organizan alrededor de la temática del Señor de las Dos Tierras. Vemos al rey representado de manera simétrica en tanto que señor del Bajo Egipto, esto es, la parte Norte del país, alrededor del Delta, y en tanto que señor del Alto Egipto, el Sur del país. Estas dos representaciones son reconocibles por las diferentes coronas: la corona roja de Bajo Egito y la corona blanca del Alto Egipto, en forma de mitra.

La puerta de Tolomeo IV Filópator está inacabado. Parece que los problemas políticos sobrevenidos alrededor del 206aC interrumpieron los trabajos. Encontramos muchos indicios de dicha interrupción: en la parte saliente del pasadizo, hay ciertas líneas de separación entre los jeroglíficos que están sólo trazadas pero no esculpidas y la parte baja de la pared derecha está lisa, mientras que su paralela sí está esculpida. En el reverso de la puerta, podemos también ver que los personajes están gravados sólamente hasta la pantorrilla. Los bloques de piedra fueron usados como elementos de la fundación de un nuevo templo erigido por Tolomeo V.

Otras obras del Museo de Bellas Artes de Lyon en Fotograrte:

Pietá de Hippolyte Flandrin.

Virgen y Ángel de una Anunciación (Siglo XIV).

El Bien y el Mal de Víctor Orsel.

Dante consolando a los envidiosos.

PS: Traducción hecha por Fotograrte.

Dante consolando a los envidiosos

Dante, acompañando a Virgilio, consuela a los envidiosos.

Dante, acompañando a Virgilio, consuela a los envidiosos. Hippolyte Flandrin. Museo de Bellas Artes de Lyon.

La escena representada, de la Divina Comedia de Dante y a diferencia de los artistas inspirados por los principales artistas de la literatura italiana, Flandrin evita el patetismo del infierno, prefiriendo el consuelo del Purgatorio. Acompañado de su guía el poeta Virgilio, Dante está hablando con las almas de los Envidiosos, ciegos de cuerpo y de espíritu. En la escena, escucha con atención y compasión el cuento de sus pecados. Los envidiosos, pintados con grisalla, se apoyan casi en la pared de roca que tienen detrás. Dante está al lado de los vivos, cuerpos de carne vestidos con telas con tonos sostenidos. Esta distribución del color facilita tanto entender la composición como la de los sujetos.

La elección del tema traduce la influencia del Renacimiento católico de Lyon, pero el motivo de la ceguera puede también remitirse a los graves problemas oculares que sufre el pintor en 1834.

Pintado en Roma, mientras que Flandrin era alumno de la Academia de Francia, el cuadro revela por el formato, la dificultad del sujeto y la ambición y el talento del joven artista. Muy favorablemente acogido en su presentación en el Salón de París, lienzo obtiene una medalla de oro de segunda clase.

Anteriores del mismo pintor: Pietá de Hippolyte Flandrin.

El bien y el mal

El bien y el mal. Museo de Bellas Artes de Lyon

El Bien y el Mal, Víctor Orsel, Museo de Bellas Artes de Lyon. Francia.

Esta pintura de gran formato, llena de simbolismo religioso, desarrolla la hsitora de dos jóvenes que personifican los dos principios: el Bien y el Mal. Tanto en un caso como en otro, existe una alegoría central, una sucesión de pequeños sainetes que se van describiendo, de forma que puedan oponerse sus diferentes elecciones. La primera, vestida de verde, representada a la izquierda, representa la sabiduría y la virtud, que le asegura una vida serena y dichosa. A la derecha, la segunda se deja tentar por la pasión y entabla lo que se puede calificar como una vida disoluta, cediendo a las avances de un caballero, que la deja después del nacimiento de un hijo. Rechazada por su familia y tras la muerte del niño, se suicida colgándose. Los símbolos, ornamentos y fórmulas latinas acentúan el mensaje.

En la parte superior del cuadro, podemos ver la consecuencia de la vida que ha llevado cada una de ellas: la de la izquierda va al cielo, la de la derecha es arrastrada por el demonio hacia el infierno.

Por la elección del formato, curvado en su parte superior, la utilización del fondo de oro y la yuxtaposición de muchas escenas de una misma historia, Víctor Orsel retoma voluntariamente ciertas características de los cuadros de iglesia del final de la Edad Media y del comienzo del Renacimiento. Sin embargo, esta obra no responde a ningún encargo religioso, pero ambiciona pertenecer a la pintura de carácter moral o cristiano. Deseoso de servir con su arte a una renovación religiosa, el artista de Lyon se orienta hacia una concepción formal y espiritual de la pintura marcado por el ejemplo de los pintores italianos del siglo XV y de un grupo de artistas alemanes que desarrollaron su actividad artística en Roma, los “Nazarenos”. Como manifestación de esta nueva estética, la obra se presentó en el Salón de París el año 1883.

Virgen y Ángel de una Anunciación (Siglo XIV)

Virgen y Ángel de la Anunciación. Siglo XIV. Museo de Bellas Artes. Lyon.

Estos personajes, de tamaño natural, parecen comunicarse más allá de las palabras. El ángel Gabriel, con la mano izquierda en el corazón, lleva una larga túnica y una capa con pliegues ondulantes, un chal y una diadema en la cabeza. La flexión hacia delante, la expresión reservada y el gracioso movimiento de la mano derecha revela una actitud diferente: “te saludo María”.

Por su parte, la Virgen tiene un gesto de sorpresa. Ha sido escogida por Dios para ser la madre de Jesús. Su cuerpo alargado adopta una postura graciosa de una torsión aún gótica. El brazo izquierdo hoy mutilado debía sin duda tener un libro: a la llegada del ángel, ella interrumpe su lectura y escucha, atenta.

El Ángel Gabriel

La expresión reflexiva de los personajes y la belleza de los rostros revelan a un gran maestro. El autor podría ser Francesco di Valdambrino, activo en Siena a principios del Siglo XV, y las estatuas procederían de la Iglesia de Santa Catalina de Pisa.

Bajo la influencia de los Misterios, que se colocaban en los atrios de las iglesias en la Edad Media, numerosos grupos como este, en los que se representa la Anunciación, se podían admirar en las iglesias de la Toscana italiana. Es, sin embargo, difícil de saber hoy cuál era su situación original (¿en una columna, en hornacinas?) y su función precisa. Los brazos articulados de la Virgen hacen pensar que estaba vestida con telas y llevaba joyas, por lo que podrían servir para escenas de teatro o llevarse en procesión.

Pietá de Hippolyte Flandrin

Pietá de H Faldrin BAL

La Piedad reproducida se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Lyon y fue realizada en óleo sobre lienzo en 1842 por el pintor francés Hyppolite Flandrin.

Flandrin fue alumno de Ingres. Posteriormente viajó a Italia donde obtuvo el primer premio de pintura de Roma de 1832 con “Reconocimiento de Teseo por su padre”, para, posteriormente, visitar la Villa Médicis. En ese momento era fundamentalmente un pintor historicista para evolucionar hacia la pintura religiosa, donde se le puede considerar uno de los renovadores del género en el siglo XIX.

Es interesante hacer notar que, mientras que el Cristo recibe toda la luz, tumbado  en el sepulcro, la Virgen María queda en penumbra, sin que se puedan siquiera distinguir sus rasgos faciales.

Entre otras obras suyas, podemos señalar las pinturas de Saint-Séverine, Saint-German-des-Prés (recientemente restauradas) y Saint-Vicent de Paul de París.

(ENG)

The Pietá shown in this post is exhibited in the Musée des Beaux Arts de Lyon and was painted by hand in oil on canvas by the French Painter Hyppolite Flandrin.

Flandrin was a follower of Frech painter Ingres. He travelled afterwards to Italy where he won the first prize of painting in Rome of 1832 with “Reconnaisance of Teseo by his father” to travel then to visit Villa Medicis. He was, at that time, mainly a historicist painter that evolved to religious painting, subject in which he can be considered as on the reformers in the 19th century.

It’s interesting to note that, while the figure of the dead Christ receives all the light, as he lies in the tomb, the Virgin Mary remains in the dark, as the spectator is unable to even distinguish her facial features.

He also painted the frescoes at Saint-Séverine, Saint-German-des-Prés and Saint-Vincent de Paul de Paris.