Apolo (MAN)

Apolo, Estatua romana, Siglo II, Museo Arqueológico Nacional (Madrid.

Apolo fue uno de los dioses más importantes tanto para los griegos como para los romanos, y su culto fue tal que, en efecto, este fue una de las pocas deidades griegas que se transfirió completamente de Grecia a Roma al punto que los romanos mantuvieron intacto el nombre griego. Las diferencias eran menores, mientras que para los griegos era más importante su rol como dios de la luz, para los romanos era más importante su rol como dios de la medicina y la plaga.


Apolo, el dios de la luz
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Puertas del templo de Montu (II) / Doors from Montu’s temple (II)

La entrada del templo de Medamud. Museo de Bellas Artes de Lyon, Francia.
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Tres profetas / Three Prophets

Se trata de un bajorelieve procedente de la antigua Catedral de Vic que fue comprado por el Museo de Bellas Artes de Lyon en 1934. Se trata de un relieve románico del siglo XII en el que se encuentran representados tres profetas del Antiguo Testamento.

(La escultura románica encuentra su máximo desarrollo) los siglos XI y XII (con sus antecedentes carolingios del siglo IX) introduciéndose en buena parte del XIII y paulatinamente da lugar a la gótica, sin que la separe de ésta una línea perfectamente divisoria. El carácter general de la escultura románica consiste en la imitación de modelos artificiales y de aquí su amaneramiento o rutina. A diferencia de la escultura gótica, en la cual se revela un positivo estudio e imitación de la Naturaleza aunque sin la desenvoltura de los artistas modernos. Como puente de unión entre una y otra se halla en los últimos años del siglo XII y primera mitad del XIII el estilo que puede llamarse de transición que trata de imitar algo la realidad de la Naturaleza y da a sus obras mayor vida y movimiento sin desprenderse completamente el artista de los convencionalismos y amaneramientos precedentes. Y tal es la variedad resultante de dicha transición aumentada por la destreza o impericia de los escultores por las influencias de escuelas distintas que no es raro juntarse en una misma localidad y de una misma fecha relieves o estatuas muy dignas de aprecio y alabanza con otras de reprobable gusto y sin ningún valor artístico.

ENG

The three Prophets depicted were actually made for the Ancient Cathedral of Vic (Spain) in the XIIth century and were bought by the Museum of Fine Arts of Lyon (France) in 1934. As any other Romanesque sculpture, its characteristics can be easily recognizable, specially being made approx. 1170-1180: the XIIth century is a transition time in which figures are depicted much more lively and with more movement than before, as it can be seen in the clothes they are wearing.

La Iglesia del Monasterio de la Cartuja (Granada)

Altar Mayor de la Iglesia de la Cartuja de Granada.

Sin duda es una de las grandes joyas de este Monasterio. Su construcción la inicia Cristóbal de Vílchez en el siglo XVI y no se concluye hasta 1662.

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Puertas del templo de Montou (MBAL): Puerta de Tolomeo IV Filópator

Los motivos se organizan alrededor de la temática del Señor de las Dos Tierras. Vemos al rey representado de manera simétrica en tanto que señor del Bajo Egipto, esto es, la parte Norte del país, alrededor del Delta, y en tanto que señor del Alto Egipto, el Sur del país. Estas dos representaciones son reconocibles por las diferentes coronas: la corona roja de Bajo Egito y la corona blanca del Alto Egipto, en forma de mitra.

La puerta de Tolomeo IV Filópator está inacabado. Parece que los problemas políticos sobrevenidos alrededor del 206aC interrumpieron los trabajos. Encontramos muchos indicios de dicha interrupción: en la parte saliente del pasadizo, hay ciertas líneas de separación entre los jeroglíficos que están sólo trazadas pero no esculpidas y la parte baja de la pared derecha está lisa, mientras que su paralela sí está esculpida. En el reverso de la puerta, podemos también ver que los personajes están gravados sólamente hasta la pantorrilla. Los bloques de piedra fueron usados como elementos de la fundación de un nuevo templo erigido por Tolomeo V.

Otras obras del Museo de Bellas Artes de Lyon en Fotograrte:

Pietá de Hippolyte Flandrin.

Virgen y Ángel de una Anunciación (Siglo XIV).

El Bien y el Mal de Víctor Orsel.

Dante consolando a los envidiosos.

PS: Traducción hecha por Fotograrte.

Basílica de San Juan de Dios (Granada)

Detalle de la portada de la Basílica de San Juan de Dios. Granada

La iglesia, hoy con el título de Basílica por la Bula «Extat Granate»,de 1916, dada por Benedicto XV, fue comenzada en 1737 y finalizada en 1759, a iniciativa del prior Alonso de Jesús y Ortega y costeada con el dinero procedente de la caja central de la Orden Hospitalaria para dar acogida a los restos de su fundador.

La Portada, flanqueada por dos altas torres, está concebida a manera de retablo: dos cuerpos y tres calles, separadas por columnas de órdenes corintio – cuerpo inferior- y compuesto -cupero superior, sobre altos pedestales. En las calles laterales del cuerpo interior se abren dos puertas y sobre ellas las imágenes de San Gabriel y San Rafael; en la central, más ancha, se encuentra la puerta principal; en la calle central del segundo cuerpo una gran hornacina acoge la imagen de San Juan de Dios, apareciendo en los laterales relieves alusivos a San Ildefonso y Santa Bárbara. Se remata la podada con frontón curvo partido, en cuyo centro aparece un medallón con un relieve de Dios Padre y sobre él una granada y una cruz, símbolo de la Orden.

Basílica de San Juan de Dios. Granada. Detalle de la Portada principal.

Las Torres, de dos cuerpos, más el de campanas, se rematan con capitel recubierto de pizarra.

Monasterio de la Cartuja (Granada): Coro de la Iglesia

Albergó a una comunidad de monjes cartujos desde su fundación en el siglo XVI hasta la exclaustración del año 1835. Aunque mezcla diversos estilos, representa una de las cumbres de la arquitectura barroca española. 

Actualmente, está considerada como Bien de Interés Cultural fue declarado Monumento histórico-artístico perteneciente al Tesoro Artístico Nacional mediante decreto de 3 de junio de 1931.

La Iglesia es, sin duda, junto a la sacristía, la parte más imponente del conjunto y una de las obras más importantes del Barroco español. En las fotos se puede apreciar la grandiosidad del Coro con la parte a la que los laicos tenían acceso a la misma. La Cartuja es una orden monástica contemplativa que considera el silencio como un medio para lograr la contemplación y el recogimiento.

Piedad (Museu Frederic Marès)

Piedad. Siglo XV.

Piedad, talla policromada, siglo XV. Museu Frederic Marés, Barcelona. Exposición Los pilares de Europa, Caixaforum, Madrid. España.

No se sabe ni quién es su autor ni tampoco su origen.

Piedad, detalle.

Durante la Edad Media, se hizo hincapié en la humanidad y sufrimiento de Cristo, siendo precisamente la Piedad una de las imágenes que más capta ambas. En este caso, la verticalidad de la Virgen contrasta con el Cristo muerto, extendido en toda su amplitud y con las piernas extendidas en un incómodo ángulo.

Piedad, detalle.

Aquí podéis ver la ficha de la obra (página oficial del Museo).

(ENG)

We don’t know who is the author of this piece.

During the Middle Ages , artists insisted in both humanity and suffering of Christ, being the Pietà one scene that captures both. In this case, the Virgin’s verticality contrasts with the dead Christ, who is represented stretched and with the legs extended in a difficult angle.

Gran Dama Oferente (MAN)

Gran Dama Oferente. Siglo III a.C. Piedra caliza. Museo Arqueológico Nacional. Pueblos íberos. España.

Fue encontrada en el Yacimiento llamado del «Santuario del Cerro de los Santos», en Montealegre del Castillo, perteneciente a la provincia de Albacete en 1870, entre un gran número de estatuas amontonadas al pie de la ladera occidental de dicho cerro. Fue comprada a José Ignacio Miro en 1873.

La figura muestra una rica vestimenta, que denota la pertenencia un nivel social elevado. Se muestra ricamente ataviada con tres túnicas superpuestas; la inferior, de pliegues muy finos, roza el suelo y enmarca los pies calzados. Encima porta una túnica fina con bordados en el pecho. Finalmente, la túnica superior es un manto cuyos bordes caen hieráticos bajo las manos resaltando la ofrenda.

Una fíbula o pasador en forma de T sujeta el cuello de la túnica. Se adorna con tres collares (dos trenzados y uno sogueado), y con cinco anillos en las manos. 

Sobre la cabeza porta una diadema, adornada con líneas onduladas motivos vegetales. De la diadema cuelgan prendedores en forma de flor e ínfulas, de las que cuelgan varias arracadas muy decoradas.

La figura muestra la gran importancia de la mujer en aspectos religiosos de la cultura ibérica.La riqueza del traje indica una dama de la alta sociedad, que puede estar ofreciendo un presente a la divinidad, o podría participar en un rito de iniciación. La cercanía del yacimiento a varias fuentes de aguas minerales refuerza el significado salutífero y de dedicación religiosa de la escultura.

La parte posterior se encuentra muy poco labrada, por lo que debería ser vista sólo de frente.

Para más información, la página web del Museo Arqueológico Nacional tiene una explicación muy exhaustiva de la estatua, que se puede leer aquí.

Virgen y Ángel de una Anunciación (Siglo XIV)

Virgen y Ángel de la Anunciación. Siglo XIV. Museo de Bellas Artes. Lyon.

Estos personajes, de tamaño natural, parecen comunicarse más allá de las palabras. El ángel Gabriel, con la mano izquierda en el corazón, lleva una larga túnica y una capa con pliegues ondulantes, un chal y una diadema en la cabeza. La flexión hacia delante, la expresión reservada y el gracioso movimiento de la mano derecha revela una actitud diferente: «te saludo María».

Por su parte, la Virgen tiene un gesto de sorpresa. Ha sido escogida por Dios para ser la madre de Jesús. Su cuerpo alargado adopta una postura graciosa de una torsión aún gótica. El brazo izquierdo hoy mutilado debía sin duda tener un libro: a la llegada del ángel, ella interrumpe su lectura y escucha, atenta.

El Ángel Gabriel

La expresión reflexiva de los personajes y la belleza de los rostros revelan a un gran maestro. El autor podría ser Francesco di Valdambrino, activo en Siena a principios del Siglo XV, y las estatuas procederían de la Iglesia de Santa Catalina de Pisa.

Bajo la influencia de los Misterios, que se colocaban en los atrios de las iglesias en la Edad Media, numerosos grupos como este, en los que se representa la Anunciación, se podían admirar en las iglesias de la Toscana italiana. Es, sin embargo, difícil de saber hoy cuál era su situación original (¿en una columna, en hornacinas?) y su función precisa. Los brazos articulados de la Virgen hacen pensar que estaba vestida con telas y llevaba joyas, por lo que podrían servir para escenas de teatro o llevarse en procesión.

Virgen con Niño, atribuida a Jerónimo Ordóñez

 

Virgen con Niño MBAC

Virgen con el Niño, atribuida al escultor cordobés Jerónimo Ordoñez. Finales siglo XVI. Museo de Bellas Artes de Córdoba.

De la explicación del propio museo:

La representación iconográfica de la Virgen portando en sus brazos al Niño hunde sus raíces en el arte bizantino, de donde lo heredaría el Occidente Católico para alcanzar gran profusión hasta la celebración del Concilio de Trento y la institucionalización del dogma de la Inmaculada Concepción por parte de la Iglesia, significarían su casi definitiva desaparición. En Andalucía tuvo gran éxito, siendo normalmente el Niño portador de algún atributo, como en esta ocasión en que la bola del mundo alude a su condición de Salvador. Se trata de una pieza concebida para ocupar el frente de una fachada, cuyo emplazamiento original se desconoce.

Perteneció la familia Romero de Torres y fue atribuida por Enrique al muy poco conocido escultor cordobés Jerónimo Ordóñez, vinculado a la familia Hernán Ruiz y con varias obras documentadas en la ciudad. Pasó al Museo en 1991, tras la adquisición de los bienes que la familia conservó en su vivienda, donde ocupaba un lugar preferente en el jardín presidiendo una fuente.

Púlpito de la Iglesia de San Sulpicio

Púlpito de San Sulpicio 1788

Púlpito de la Iglesia de San Sulpicio. París.

El púlpito de San Sulpicio fue ejecutado en 1788 a partir de los diseños de Charles De Wailly, y donado por el duque de Aiguillon du Plessis Richelieu, un sobrino-bisnieto del cardinal Richelieu, antiguo ministro de Luis XV y primer marguillier de la parroquia. Está hecho de madera de roble y de mármol, y está considerada como una obra maestra de ebanisteria y de equilibrio (descansa, de hecho, sobre las únicas escaleras laterales que la soportan). En 1791, monsieur de Pansemont (párroco) declaró su negativa a prestar el juramento de la Constitución Civil del Clero desde lo alto de ese púlpito, delante de los guardias nacionales y sus seguidores. El púlpito fue afortunadamente preservado por los revolucionarios que lo consideraron «útil». Sus dorados y pinturas han sido recientemente objeto de una cuidadosa restauración (2010).

El púlpito tiene muchos símbolos en las diferentes partes que lo componen:

  • dos estatuas en madera de tilo dorada (obra de Guesdon), la de la izquierda sostiene un cáliz (símbolo de la fe) y la de la derecha un ancla (símbolo de la esperanza);

  • cuatro bajorrelieves de bronce dorado de Edme Dumont, con animales que representan a los Evangelistas: un león (por san Marcos, cuyo Evangelio comienza con el ministerio de san Juan Bautista cuya palabra sonaba como el rugido de un león en el desierto), un toro (por san Lucas, cuyo Evangelio comienza con el anuncio de un hijo de Zacarías, un sacrificante en el templo), un ángel (o un hombre, por san Mateo, cuyo Evangelio comienza con la genealogía humana de Cristo) y un águila (que fija el Sol como san Juan fija a Dios en la persona humana y divina de Cristo).

  • Un caja de resonancia (abat-voix) de Edme Dumont coronada por un grupo (una mujer y niños) en madera dorada que representan a la caridad, que bajo el cielo está adornada con una paloma dorada con las alas extendidas, símbolo del Espíritu Santo rodeada de rayos luminosos.

El estado de esta iglesia, conocida como la «Catedral de la orilla izquierda», de la que ya he hablado con anterioridad en el blog (1, 2, 3) y que es, sin duda, una de las más bonitas de París, se ha deteriorado mucho últimamente, debido a la falta de fondos para conservación destinados por los poderes públicos franceses, a pesar de la propaganda.

Las cabezas cortadas de la Galería de los Reyes de Notre Dame

estatuas notre dame en museo cluny

Las cabezas cortadas de las estatuas de la Galería de los Reyes de Notre Dame. Museo Cluny. París

Poco después de su apertura en plena Edad Media corrió la creencia entre la población de que, en realidad, la mayoría de aquellas estatuas representaban a los Reyes de Francia. Un error de interpretación que las convirtió en víctimas del fanatismo revolucionario cuando, en enero de 1793, se produjo la ejecución de Luis XVI. El Rey había sido condenado por la Convención Nacional, poco después de que su suerte quedara sellada al intentar acogerse a la protección de la Asamblea Legislativa y pedir ayuda a las potencias extranjeras.

(…)

Tras su decapitación, las autoridades revolucionarias ordenaron la destrucción de todos los símbolos de la realeza. Obviamente, las estatuas de la famosa catedral parisina quedaron bajo el punto de mira y no tardaron en ser arrasadas por la vorágine vandálica en octubre del mismo año. Aquellas obras de arte representaban realmente a los reyes de Judá, ancestros de Cristo, y no a los reyes galos, como se pensaba. La confusión era difícil de aclarar si tenemos en cuenta que entre las esculturas destruidas y robadas se encontraban las 28 situadas en la conocía como Galería de Reyes.

Pero el cuidado que tuvieron con estas no fue precisamente modélico, a pesar de que procedieron «con cuidado de no dañar el resto del edificio». Primero fueron descoronadas, después decapitadas a golpe de maza representando la ejecución de Luis XVI en la guillotina y, por último, amontonadas en la plaza que da acceso a Notre Dame, donde permanecieron olvidadas hasta que fueron vendidas a un maestro de obras en 1796.

(…)

Se supo más adelante que Jean-Baptiste Lakanal, hermano del célebre erudito y diputado de la Convención Joseph Lakanal, compró las estatuas y sus restos para enterrarlas en el terreno del palacio que se hizo construir en Chaussée d’Antin, más allá de los grandes bulevares de París y lejos de la famosa catedral que ayer se incendió. Este gesto que en principio puede parecer hostil contra lo que creían que representaban aquellas imágenes, sirvió en realidad para conservarlas.

Llevaban siglos adornando Notre Dame, pero ahora su paradero era todo un misterio al que nadie prestó atención. Tuvieron que pasar casi dos siglos para ser recuperadas por completo.

(…)

Aparecieron una serie de mojones de caminos que rápidamente fueron identificadas como fragmentos de las estatuas, lo que permitió recuperar también parte de la decoración del edificio desvalijado en 1793. Esas piezas, reflejo de la magnífica decoración exterior de Notre Dame desde mediados del siglo XIII, constituyeron el primer conjunto estatuario del Museo Nacional de la Edad Media de París, cuando fue abierto en 1844.

(…)

El casual hallazgo se produjo en 1977, cuando 21 de las cabezas que había sido decapitadas en tiempo de Napoleón fueron descubiertas en una casa particular de París. Aún conservaban las marcas de la violencia. Durante años estos fragmentos fueron estudiados por expertos hasta que fueron identificados como figuras del portal de Santa Ana, situado en la fachada occidental de la catedral. Las estatuas representaban a los reyes y reinas del Antiguo Testamento, así como de los diferentes apóstoles, y formaban parte de tallas alargada vestidas con ropas de largos pliegues esculpidos en el mármol.

Ahora, que se habla tanto de Notre Dame tras el incendio sufrido, no está de más recordar esta barbarie artística cometida en nombre de una supuesta diosa Razón. Destrozar el patrimonio histórico-artístico no sé dónde ni desde qué punto puede entenderse razonable, salvo desde el extremismo ideológico o religioso. No estaría de más reflexionar sobre ello.

Sobre el destrozo revolucionario de Notre Dame, ya hablamos anteriormente en este mismo blog.

(FR) L’histoire des têtes des Rois de Juda est raconté ici: Les sculptures de Nôtre-Dame de Paris: focus sur un chef d’oeuvre.

San Juan Bautista, de Jean Dampt

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San Juan Bautista niño, de Jean Dampt, Museo de Orsay. París. 1881 (Siglo XIX). Obra en mármol. El original en yeso se encuentra en Dijon de donde era el artista. Para ver la maestría del autor sólo hay que observar la forma en que el niño se apoya de forma poco estable en un lado mientras reza, el tratamiento de los cabellos y del pequeño trozo de tela que le cubre una cadera, única prenda de ropa que lleva.
Algunas notas sopbe Jean Dampt: 
Hijo de un ebanista, estudió en la Ecole des Beaux-Arts de Dijon; a continuación, en 1874, bajo la dirección de François Jouffroy y Paul Dubois en la Escuela de Bellas Artes de París. Expuso por primera vez en el Salón de la Sociedad de Artistas Franceses en 1876, el busto del arquitecto Belot. En 1877, se produce un error y ocupa el segundo lugar en el Premio de Roma. Completó su servicio militar y luego organiza una Exposición de la Sociedad de Amigos de la Costa de Oro para promover el arte en su región. Participa en el grupo de los Seis con Alexandre Charpentier y Rupert Carabin , uniéndose con Pascal Dagnan-Bouveret y Carlos Schwabe. 
Cuenta con el patrocinio de la condesa Marie-Martine-Pol Béhague, para la que hizo la Sala de los Caballeros (París, Museo de Orsay) y el pequeño grupo de acero, marfil y oro titulado El Caballero Raymondin y el hada Melusina del que Emile Verhaeren dijo: «es una obra de esas que marcan una fecha.». Para el mismo hotel particular de la condesa realizó el relieve titulado «Temps emportant l’Amour» , presentado en el Salón de París de 1898, que decoraba la gran escalera en mármol policromo, inspirada en la escalera de la Reina en Versalles, siguiendo la moda de la época. El edificio fue vendido para la instalación de la Embajada de Rumanía en París. 
Se presenta como militante idealista, Joséphin Péladan dijo de él , «Dampt debe ser considerado como uno de los mejores artistas de nuestro tiempo: a un conocimiento considerable, se une una conciencia extrema y la auténtica voluntad del ideal

Cristo crucificado de Cellini (detalle)

Cristo crucificado. Benvenuto Cellini. Real Monasterio de San Lorenzo del Escorial.

Buscando en internet análisis sobre la estatua, he dado con este número de 1900 de la Ilustración Española y Americana, con un artículo muy curioso sobre la estatua, con la retórica, eso sí del momento. Os dejo la primera parte y pongo más abajo un enlace al artículo para quien lo quiera leer entero.

Benvenuto Cellini y el Crucifijo del Escorial.

Anteriores posts sobre el Cristo:
Cristo Crucificado de Cellini.