Estela funeraria de Fabia y su marido (MBAL) / Funerary stele of Fabia and her husband (MBAL)

Estela funeraria de Fabia y su marido. Museo de Bellas Artes de Lyon. Francia

La estela funeraria de Fabia y su marido está realizada en piedra calcárea, exhibiéndose a día de hoy en el departamento de Antigüedades del Museo de Bellas Artes de Lyon. Realizada en el siglo II después de Cristo, representa a Fabia, cuyo nombre aún puede leerse en el lado izquierdo. Parece ser que su origen está en Hierápolis, situada en el Medio Eúfrates, por lo que también se le denomina como «Estela funeraria del Medio Eúfrates«.

Fue adquirida por el museo en 2001 en una venta administrativa, tal y como se especifica en la propia web del Museo.

(ENG)

The funerary stele of Fabia and her husband is made of limestone and is now on display in the Antiquities Department of the Musée des Beaux-Arts in Lyon. Made in the 2nd century AD, it depicts Fabia, whose name can still be read on the left side. It seems to have originated in Hierapolis, located on the Middle Euphrates, and is therefore also known as the ‘Funerary Stele of the Middle Euphrates‘.

It was acquired by the Museum in 2001 in an administrative sale, as specified on the Museum’s own website.

Cristo bajando del pretorio, de Gustavo Doré (detalle)

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Judas Iscariote, detalle de Cristo bajando del pretorio, obra de Gustavo Doré, Museo de Bellas Artes de Nantes.

Es, sin duda, uno de los cuadros que más me ha impresionado, no sólo por la brillantez de su resolución (los colores, las expresiones, las telas, el dominio de la luz, etc.) y por el tamaño (482 × 722 centímetros), si no porque no entiendo cómo no es mucho más famoso. Pero impresiona aún más saber que es una réplica pintada por Doré tras haber pintado este mismo tema en otro cuadro que podemos denominar “original”, que es aún de mayores dimensiones (609 × 914 centímetros), que se expone en el Museo de arte moderno y contemporáneo de Estrasburgo.

El detalle que hoy os muestro es el correspondiente a Judas Iscariote, el traidor, que varía un poco entre el “original” y la réplica: en el primero, sólo tiene los ojos bajados, en esta versión parece tener miedo, su expresión está más clara que en el “original”.

Representa el momento descrito en Mateo 27, 31 y 32 (vía El Arte nos redime):

«Cuando se hubieron burlado de él, le quitaron el manto, le pusieron sus ropas y le llevaron a crucificarle.

«Al salir, encontraron a un hombre de Cirene llamado Simón, y le obligaron a llevar su cruz.»

El cuadro entero está aquí, donde podéis apreciar a Simón de Cirene en la parte más baja del cuadro cargando ya con la cruz. Los detalles de Cristo y la Virgen María están aquí y aquí.

San Juan Bautista, de Jean Dampt

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San Juan Bautista niño, de Jean Dampt, Museo de Orsay. París. 1881 (Siglo XIX). Obra en mármol. El original en yeso se encuentra en Dijon de donde era el artista. Para ver la maestría del autor sólo hay que observar la forma en que el niño se apoya de forma poco estable en un lado mientras reza, el tratamiento de los cabellos y del pequeño trozo de tela que le cubre una cadera, única prenda de ropa que lleva.
Algunas notas sopbe Jean Dampt: 
Hijo de un ebanista, estudió en la Ecole des Beaux-Arts de Dijon; a continuación, en 1874, bajo la dirección de François Jouffroy y Paul Dubois en la Escuela de Bellas Artes de París. Expuso por primera vez en el Salón de la Sociedad de Artistas Franceses en 1876, el busto del arquitecto Belot. En 1877, se produce un error y ocupa el segundo lugar en el Premio de Roma. Completó su servicio militar y luego organiza una Exposición de la Sociedad de Amigos de la Costa de Oro para promover el arte en su región. Participa en el grupo de los Seis con Alexandre Charpentier y Rupert Carabin , uniéndose con Pascal Dagnan-Bouveret y Carlos Schwabe. 
Cuenta con el patrocinio de la condesa Marie-Martine-Pol Béhague, para la que hizo la Sala de los Caballeros (París, Museo de Orsay) y el pequeño grupo de acero, marfil y oro titulado El Caballero Raymondin y el hada Melusina del que Emile Verhaeren dijo: «es una obra de esas que marcan una fecha.». Para el mismo hotel particular de la condesa realizó el relieve titulado «Temps emportant l’Amour» , presentado en el Salón de París de 1898, que decoraba la gran escalera en mármol policromo, inspirada en la escalera de la Reina en Versalles, siguiendo la moda de la época. El edificio fue vendido para la instalación de la Embajada de Rumanía en París. 
Se presenta como militante idealista, Joséphin Péladan dijo de él , «Dampt debe ser considerado como uno de los mejores artistas de nuestro tiempo: a un conocimiento considerable, se une una conciencia extrema y la auténtica voluntad del ideal

Cristo bajando del pretorio, por Gustavo Doré (detalle)

Cristo bajando del pretorio, de Gustavo Doré. Detalle de la Virgen María. Museo de Bellas Artes de Nantes. Estuvo cedido al Museo de Orsay en 2015.
El episodio que nos presenta es original, entre dos de los momentos más importantes de la Pasión de Cristo: el juicio y tortura en el pretorio y la crucifixión en el Monte Gólgota. Según su biógrafo y amigo, William Blanchard Jerold, se inclinó por pintar ese momento porque no ha sido reproducido prácticamente durante la Historia del Arte, tal y como le manifestó a Doré en una comida el Reverendo Frederick Hartford, canónigo de la abadía de Westminster, a quien había conocido en la Exposición Universal de 1867.
Hace multitud de bocetos de los distintos personajes, aunque al principio el cuadro era mucho más luminoso. Pero cuando se lo muestra a Frederick Hartford, éste se muestra decepcionado porque «el cielo debe estar cubierto; esa desgraciada jornada no pudo ser soleada». Así que lo ensombrece progresivamente hasta que sólo existe iluminación en en Cristo en el centro de la escena.
La Virgen, fácilmente reconocible, es representada con colores blancos y azules según la tradición.

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Iglesia de St Sulpice, París (interior)

Interior de la Iglesia de St. Sulpice (París).

Conocida como la «Catedral de la Orilla Izquierda» (la de la orilla derecha es la de Nôtre Dame), sufrió todo tipo de vicisitudes desde su construcción. Paradójicamente, St Sulpice (San Sulpicio) fue un obispo de la ciudad de Bourges famoso por su piedad y su resistencia a la tiranía de los reyes merovingios. Durante la Revolución Francesa, debido al gnomon que tiene en el suelo, no sufrió tantos daños como otras iglesias de París, porque  fue consagrada a la Diosa Razón.
El pintor Eugène Delacroix ayudó a la restauración de la Iglesia en el siglo XIX, aunque su estado hoy no es muy bueno. De hecho, se pide ayuda para su restauración en carteles en la propia Iglesia.
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Cristo crucificado de Cellini

Escultura de Cristo Crucificado, obra de Benvenuto Cellini. Basílica del Real Monasterio del Escorial. Madrid.

El Crucifijo de Benvenuto Cellini es una representación escultórica del Cristo crucificado realizada por Benvenuto Cellini en mármol blanco de Carrara entre 1559 y 1562. Se exhibe actualmente en la Basílica de El Escorial, sobre una cruz de mármol negro superpuesta sobre otra de madera, y con los genitales cubiertos por un paño de pureza (perizonium) que se puede retirar.
Sus medidas son de 184 centímetros de altura y 186 centímetros de envergadura. Tiene en su pie esta inscripción:
BENUEN UTUS.CEL LINUS.CIU IS.FLORE NT.FACIER AT.MDLXII
La cabeza está ligeramente inclinada hacia la derecha y no lleva corona de espinas. La anatomía está realizada con un gran realismo.
La representación de Cristo desnudo es muy poco frecuente, pero tiene ejemplos destacados, como los debidos a Miguel Ángel (Crucifijo del Santo Spirito y otros que también han sido objeto de censura púdica -fresco del Juicio Final de la Capilla Sixtina y la escultura denominada Cristo de la Minerva-).

Posts anteriores sobre el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial:

  1. El Monasterio de El Escorial, al anochecer.
  2. Fresco de la Gloria o El Triunfo de la Monarquía Hispánica (El Escorial).

L’Age Mûr, de Camille Claudel

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La Edad Madura. Camille Claudel. Museo de Orsay. París.

Después de la ruptura entre Camille Claudel y Rodin, este último intenta ayudarla mediante una persona interpuesta y obtiene del director de las Bellas Artes un encargo del Estado. La Edad Madura fue encargada en 1895, pero el bronce no fue nunca pedido ni la escayola fue entregada por Camille Claudel. Es el Capitán Tissier el que encarga el primer bronce sobre la pieza en 1902.
El grupo representa la duda de Rodin entre su antigua amante, que le recuperó al final, y Camille, que, para retenerle, se arrodilla con el cuerpo hacia adelante. Aparte de su historia personal, Camille realiza una historia simbólica, que entraña una meditación sobre las relaciones humanas. Ella misma se retrata bajo los rasgos de un personaje que ella misma denomina La Implorante, marcando así la tragedia que tenía marcada en su destino.
El hombre al final de su madurez, es vertiginosamente apresado por la edad, mientras que tiende una mano inútil hacia la juventud. las figuras desnudas están rodeadas de ropajes que vuelan y que acentúan la rapidez de la marcha.
Paul Claudel hablaba así de la obra: «Mi hermana Camille, la Implotante, humillada de rodillas, maravillosa, orgullosa, y ¿sabes que lo que se hace más duro? Que, ante tus ojos, se muestra su alma».

Traducción hecha por mí.

Plaza de la Armería, Palacio Real de Madrid, de noche

Fue diseñada por Narciso Pascual y Colomer con la colaboración de Enrique María Ripollés y Vargas y las obras finalizaron en 1892. 

En la época del Real Alcázar en este lugar solamente existía una explanada conocida como Plaza del Palacio hasta que en el siglo XVII se construye un arco conocido como Arco de Palacio y la plaza también pasa a llamarse Plaza del Arco de Palacio. Este arco existió hasta el último tercio del siglo XIX. 

En el lugar que ocupa la plaza también estuvieron en el pasado las calles de Malpica, Santa Ana la Vieja, la de Pumar, la Plaza de Caballerizas y de Palacio las Plazuelas de los Pajes y del Postigo. 

Se muestra la fachada Sur del Palacio Real con un gran reloj y dos mástiles, uno donde ondea la bandera de España y el otro para colocar el estandarte real cuando el monarca se encuentra en Palacio. Existe una reja que divide esta plaza para evitar el acceso del público a lo que viene a constituir un patio exterior del propio Palacio. Ese patio creado da a una serie de aposentos y despachos y también se encuentra la Real Armería, que es uno de los museos de armas más grandes de Europa. 

En la plaza tiene lugar la ceremonia del cambio de guardia de la Guardia Real el primer miércoles de cada mes a las doce en punto.

Anteriores posts sobre el Palacio Real de Madrid:
Palacio Real de Madrid: de noche.
Palacio Real de Madrid (2): atardecer.
Palacio Real de Madrid, iluminado para la Fiesta Nacional.

Antiguo Ayuntamiento de Madrid, al anochecer / Old Madrid’s Townhall, at sunset

Antiguo Ayuntamiento de Madrid, desde la Plaza Mayor.
El antiguo Ayuntamiento de Madrid (hasta el año 2008) se encuentra en la llamada Plaza de la Villa.
Llamado Casa de la Villa, su uso como tal se remonta al siglo XVII, una vez que fue adquirido el edificio por el Concejo municipal.
 

«El edificio actual se levanta sobre el solar del antiguo palacio de Juan de Acuña (Dueñas 1543 – Madrid 29 de diciembre de 1615), I marqués de Vallecerrato e hijo natural del VI conde de Buendía. Personaje influyente en la corte de Felipe III, fue presidente de los consejos de Hacienda, Indias y de Castilla y, en Madrid, fue nombrado administrador del Hospital de Antón Martín.

 

Tras su fallecimiento, el concejo madrileño, que se reunía desde antiguo en la frontera iglesia de San Salvador (hoy desaparecida), adquirió el inmueble para sus reuniones, aunque su acondicionamiento y reforma se retrasará y no será inaugurada hasta 1692. Así, el 19 de agosto de 1619, el concejo celebró su primera sesión en la casa propiedad de Juan de Acuña, presidente del Consejo de Castilla y, en 1629, Felipe IV decide conceder una licencia al Ayuntamiento para construir la que sería su sede sobre dicha casa.

 

Al encontrarse en una ubicación estratégica, el todavía príncipe Felipe, futuro Felipe IV, asistió desde este palacio a la entrada de su futura mujer Isabel de Borbón y Médicis el 29 de noviembre de 1615. Justo un mes después, fallecería el marqués que sería enterrado en el convento de San Agustín de Dueñas, que se encontraba bajo su patronazgo.

 

Su construcción sigue el proyecto de Gómez de Mora (1644): edificación sobria, con gran zócalo de granito y muros de ladrillo, rematada por torres chapiteles apizarradas en las esquinas y sin apenas decoración en su origen, salvo la ornamentación con frontones triangulares de piedra en los balcones del piso principal. Tras su muerte en 1648, es sucedido por José de Villarreal, quien realizó en 1653 las trazas definitivas, donde el patio interior es el protagonista.»

(ENG)

Old Madrid’s Townhall (used till 2008), located at the so called «Town’s Square» (Plaza de la Villa).

«It was built on the lot of the old palace of Juan De Acuña (Dueñas 1543 – Madrid , Dec 19, 1615), I marquis of Vallecerrato and natural son of the VI count of Buendía. Mr. De Acuña was an influential man in Philip III’s court, presidente of the Councils of the Budget, the Indies and Castille and in Madrid, was named manager of Anton Martin’s Hospital.

After his demise, Madrid’s council, which was celebrating meetings since old times in the Church of San Salvador (nowadays destroyed), bought the palace for its gatherings, but its renovation was delayed and it wasn’t inagurated till 1692. But, on August 19, 1919, the council met for the first time in the old Palace of the Acuñas and in 1629, Felipe IV granted a license for the Council to renovate its headquarters.

As it is located strategically, the future Philip IV attended from this palace the entrance of his future wife Isabel de Borbón y Médicis on Nov 16 1615 in Madrid. A month after, the marquis died and was buried in the Convent of San Agustín de Dueñas, who was under his patronage.

The construction was made following a project of Gómez de Mora (1644): frugal decoration, with a big plinth of granite and bricks’ walls, crowned with blackboard towers in the corners and with nearly no decoration originally, except the ornamentation with triangular stone pediments in the balconies of the main floor. After his death in 1648, he was succeeded by José de Villarreal, who made in 1653 the final traces, where the interior courtyard is the main part of the building.

Torre de Juan II, Alcázar de Segovia

 
 
Su construcción se debe al rey Juan II de Castilla, padre de Enrique IV y de Isabel la Católica.

Está situada en la parte llana del solar, la de más difícil defensa, mirando hacia la ciudad de Segovia, junto al foso y la entrada del recinto. En este sector existía ya una torre de mediano tamaño desde el siglo XIII de la que se conserva un bello ventanal mudéjar de influencia almohade. 

Aprovechando esta construcción, Juan II mandó ampliarla en altura y anchura y durante gran parte del siglo XV adoptó el espectacular porte actual, convirtiéndose en una de las construcciones más impactantes de la arquitectura palaciego-militar de España, gracias a su altura y al juego de sus diez enormes garitones que flanquean el adarve. Esta torre fue empleada en ocasiones como cárcel.

ENG
 
Juan II of Castille, father of Henry IV and Isabella of Castille, the Catholic Queen, ordered its construction.
 
It is located in the Alcazar’s most difficult place to defend, looking towards the city of Segovia, next to the pit and the building’s entrance. In this sector, a medium-sized tour existed since the XIIIth century, a vestige of which is the beautiful window of Mudejar style and Almohad influence.
 
The King took advantage of the renovation to increase both its height and width and, from the XVth century, its looks have been quite the actual one. It is nowadays one of the most impressive constructions of palatial-military architecture in Spain, thanks to its height and its ten enormous watchtowers that flank the battlement walkway. This tour was used as a prison occasionally.
 
 
Anteriores posts sobre Alcázar de Segovia:

Sacristía del Espíritu Santo o «de las Cabezas», Catedral de Sigüenza / Holy Ghost’s Sacristy, Sigüenza Cathedral

Catedral de Sigüenza. Sacristía de las Cabezas. Vista parcial del techo.

(…) La par­te ornamental que ha dado el nombre a este recinto y conquistado para él la fama universal (son) esas 304 cabezas de su bóveda, que, a manera de artesonado, pétreo, lanzan constante su ru­mor, su vago decir, su lento y blanco llorar de siglos sobre los admirados rostros de quienes hasta ellos llegan. Sin entrar en la literaturización que, por otra parte, merece esta obra, di­remos que cada uno de los sectores de la bóveda posee 19 hileras, con 4 cabezas cada una. Las 9 de una vertiente se orientan en el sentido ver­tical que permite su lógica visión, lo mismo que las otras 9 de la vertiente contraria. Tan sólo en las cuatro caras de las hileras centrales, de la clave, se permite el artista una orientación distinta, pero meditada y equilibrada, como corresponde el estilo arquitec­tónico, riguroso y sistemático, en que se construye el conjunto. Damos aquí esta distribución como aportación al estudio completo de esta bóveda.
Pasando ahora al estudio iconográ­fico de estos 304 medallones, hemos de decir que en ellos aparecen los más diversos tipos que la imaginación puede concebir. Contemplar tal cantidad de gestos, de actitudes, de penas y alegrías conjuntadas, de pobrezas y dignidades confundidas, originan una tormenta anímica de la que uno se recupera ya difícilmente. Creemos que, en parte solamente, es esto techo una galería de retratos. Aparecen, si, diversos bustos de obispos, canónigos, religiosos, bachilleres, dignidades civiles, etc., ataviados a la usanza, de mitad del siglo XVI, que podrían muy bien ser personajes contemporáneos del artista que trazara y tallara sus rostros. En una gran mayoría de ellos, sin embargó, no se ha pretendido más que el efecto estético del poder y la fuerza que emanan de la plumilla y la plumilla del escultor.

Anteriores posts sobre la Catedral de Sigüenza:
1.Capilla de la Concepción.
2. La Capilla del Espíritu Santo.
3. El Doncel de Sigüenza.

(ENG)

The decorative detail that actually has named the room and conquered its universal fame have actually been the 304 heads reproduced in the vault, that as a rocky coffered ceiling, observe the people that entered the sacristy. Each vault sector has 19 rows, each row having 4 heads.

The faces are oriented towards an axis that goes from the window to the rose window (east – west) and taking on as the external part of the room the eastern one, so in the first sector of the vault the first three external heads look inside it, the two internal ones look outside. In the second sector, the two external ones look inside it, the two internal look outside. In the third sector, the first and the third look inside, the second and the fourth look to the window. In the fourth sector, the external head looks inside and the rest are looking outside the room. So, even if the heads are looking differently in each sector, all of them show a perfect balance considering the position of the heads.

Lastly, making an inconographic study of those 304 medallions, the first thing to note is that all of those heads are different in their gestures, attitudes, etc. Some of them are happy, some are unhappy. Some are rich and some are poor. That is why experts considered them to be a gallery of portraits. There are busts from bishops, canons, monks, priests, sages, civil dignataries, etc. each with their characteristic clothes from the second part of the XVIth century.

Capilla de la Concepción / Chapel of the Conception (Catedral de Sigüenza)

 
Capilla funeraria de D. Diego Serrano, Catedral de Sigüenza.
 
En la capilla se encuentra expuesto el cuadro de La Anunciación de El Greco, situado tal y como se ve en la foto.
 
La construcción de la capilla de la Concepción se realizó bajo el encargo del obispo Diego Serrano el año 1509 para sepultura suya y de su familia y es el centro de la capilla donde tuvo su sepulcro el obispo, el que se debió de retirar y perder en el siglo XVII. Hay escudos del obispo colocados cerca del arco de la entrada con una inscripción que dice: «Fallesció el protonotario D. Diego Serrano, Abad de Santa Coloma, fundador de esta capilla, a catorce días del mes de marzo de 1522 años. Laus deo.»

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Cristo dejando el pretorio, de Gustavo Doré (detalle)

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Detalle de Cristo. Museo de Bellas Artes de Nantes. En préstamo en el Museo de Orsay en 2015 (la página de la exposición temporal, de la que tomé los dos párrafos, ya no está activa).

Cristo dejando el pretorio es sin duda una de las obras más ejemplares de Doré que la consideró como su obra maestra. El lienzo fue enrollado y enterrado durante la guerra de 1870, y posteriormente retrabajado hasta abril de 1872. Prueba del éxito del cuadro (reproducido en grabado sobre acero), Doré ejecuta nada menos que seis copias, la primera versión se encuentra actualmente en el museo de Estrasburgo.

El episodio se radica al final del proceso de Jesús, entre la presentación de Cristo al pueblo (Ecce homo) y con la cruz a cuestas. Jesús baja los escalones, dejando en la lejanía a Pilato y a los sacerdotes, mientras que una muchedumbre compasiva, recelosa o vindicativa, verdadero estudio de “tipos” humanos, le rodea de cada lado. Judas, a su derecha, gira la mirada hacia el espectador. Las mujeres santas se lamentan alrededor de la Virgen, vestida de azul, en la derecha. El arte espectacular de Doré accede aquí a toda su amplitud, debido al formato colosal de la pintura y a la abundancia de las figuras.

Anteriores posts sobre Gustavo Doré:

(ENG)

Christ leaving the Praetorium is, without doubt one of the most important works by Doré who always considered it as his masterpiece. The painting was carefully coiled and buried during the 1870’s war and afterwards Doré worked in it till April 1872. As evidence of the painting’s success (reproduced too in engraving on steel), Doré made six copies, the first of them being the one exhibited in Strasbourg museum.

The painting describes the end of Jesus’s judgement and conviction, between the presentation of Christ to the people (Ecce homo) and the image of Christ with the cross on his back. Jesus descends the stairs, leaving back Pontius Pilatus and the priests, while a compassionate, wary or vindictive crowd, huge portrait of human «types», surrounds him on each side. Judas at his right, looks into the crowd. The saint women cry with the Virgin, dressed in blue at our right. Dore’s spectacular composition is shown here to the spectator in full, because of the colossal dimensions of the painting and the abundance of the figures.

Colegio de San Gregorio (Valladolid)

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Portada del Colegio de San Gregorio (Valladolid).

El Colegio de San Gregorio de Valladolid es la sede principal del Museo Nacional de Escultura. Es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura del periodo de los Reyes Católicos. En particular, su patio y su portada son célebres por su refinada ornamentación, las elegantes proporciones y una ostensible simbología del poder.

La fachada fue concebida como un telón o estandarte (arquitectura suspendida). Su compartimentación se organiza con elementos vegetales que evocan los arcos triunfales construidos con madera y enramada, reforzándose su carácter civil y urbano. Dada su significación simbólica, la explicación de los diferentes motivos y elementos que la integran ofrece una gran dificultad, tanto individualmente como en su totalidad y en la relación entre los diferentes elementos.

En el tímpano principal y sobre el dintel decorado con flor de lis aparece la dedicatoria y la ofrenda del Colegio por parte del fraile dominico Alonso de Burgos a san Gregorio Magno en presencia de San Pablo y Santo Domingo. Destacan las figuras de hombres silvestres cubiertos, o no, de pelo, y con garrotes y escudos; o bien aluden a la costumbre cortesana de disfrazar escuderos con ocasión de fiestas, o bien representan la imagen mítica del «hombre natural», tal como se discutió por esas fechas y entran en diálogo visual con esculturas de caballeros, vestidos con armaduras y portando lanzas y escudos, encarnando la Virtud.23D70068-8820-44F8-A9A2-988A09F69FA4

La parte central superior está ocupada por un pilón hexagonal, rebosante de agua, que puede evocar la especulación intelectual como Fuente de la Vida. En torno al pilón, se arremolinan parejas de niños y de él arranca el tronco de un árbol, en posible alusión a la génesis de la Vida o a la imagen de la Ciencia. Todo el relieve central de la fachada se constituye con esta representación simbólica de un microcosmos, a imagen del Paraíso, lugar hacia donde deberían dirigirse los hombres mediante el conocimiento de las Artes y la Teología.

La presencia del escudo de los Reyes Católicos, sostenido por leones y por el águila de San Juan podría tener una significación política o podría ser una alusión a la dedicación del edificio a la Monarquía, a la que Alonso de Burgos nombró heredera y patrona del Colegio.768E7869-C291-409F-889D-FE96AF4F95E7

Basílica del Sacre Coeur (1)

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Interior de la Basílica del Sacre Coeur (Sagrado Corazón). Montmartre. París.

Su construcción fue decidida por la Asamblea Nacional en 1873, como un edificio religioso a perpetuidad en homenaje a la memoria de los numerosos ciudadanos franceses que habían perdido la vida durante la Guerra franco-prusiana. Según sus promotores se hacía también para expiar por la impiedad del Segundo Imperio francés.

Fue el arquitecto Paul Abadie quien ganó el concurso para su construcción. La primera piedra se colocó en 1875, y aunque se completó en 1914, no se consagró hasta el fin de la Primera Guerra Mundial, en 1919.

La iglesia fue construida con fondos procedentes exclusivamente de una suscripción popular.

Es uno de los monumentos más visitados de París.